글. 홍성연
예술과 패션: 색채의 리듬 소니아 들로네
소니아 들로네(Sonia Delaunay)는 오데사(Odesa/우크라이나, 당시는 러시아 제국의 일부)에서 태어나 프랑스 파리에서 활동한 예술가입니다. 그녀는 1964년 루브르 박물관에서 회고전을 가진 최초의 생존 여성 예술가였으며, 1975년에는 프랑스 레지옹 도뇌르 훈장(Ordre National de la Légion d'honneur)을 받았습니다.
그녀와 남편 로버트 들로네(Robert Delaunay)는 강렬한 색상과 기하학적 모양을 사용하는 것으로 유명한 오르피즘(Orphism) 미술 운동을 대표하는 예술가입니다. 색상을 사랑하는 두 예술가는 실제로 색상이 추상적이고 자연스럽게 연관될 때 가질 수 있는 역동성과 음악성을 강조하는 것을 목표로 독특한 그래픽 스타일을 연구했습니다. 오르피즘은 형태와 색상에만 집중함으로써 인식 가능한 주제를 비우는 것을 목표로 했습니다. 이는 입체파에 뿌리를 두고 있지만 순수한 서정적 추상화를 지향하는 경향이 있습니다. 오르피스트들은 예술을 감각과 색채의 통합을 시도하였습니다. 감각에 더 관심을 갖고, 그들은 추상적인 구조로 묘사된 인식 가능한 주제로 시작했습니다. 이 운동은 또한 동시주의(Simultanism)의 이상, 즉 끝없이 상호 연결된 존재 상태를 향해 노력했습니다. 그들 부부의 작업은 회화에만 국한되지 않고 포스터 프로젝트, 제본, 표지 제작, 책 삽화 제작, 연극과 영화소품 및 의상, 현대 생활의 모든 영역(인테리어, 직물 등)에 예술을 통합하도록 노력합니다.
1908년 상트페테르부르크에 이미 존재했던 발레 클레오파트라를 이집트의 밤을 위해 로버트가 모델을 만든 세트와 소니아가 만든 의상을 만드는 것을 시작으로 그들은 다양한 시도를 하게 됩니다. 특히 그녀는 클레오파트라의상은 1919년 런던공연에서 크게 성공하였으며 그녀가 그린 무대의상 그림들은 오늘날 개인 수집가나 갤러리에 흩어져 있습니다. 그녀의 의상의 특징은 다채로운 색상의 의상이 신체움직임에 반응하여 색상움직임을 보여주는 애니메이션 그림에 가깝다는 점이다. 이후 ballet Football(1918), 발레 Le Triomphe de Paris (1928-1929), Les Quatre Saisons의 의상과 Giuseppe Verdi의 Aida의 의상등을 디자인 하였고, 1919년에 그녀는 마드리드의 Petit Casino를 완전히 새롭게 단장하고 그곳에서 열린 첫 번째 공연(revue)을 위한 의상을 만들었습니다. 파리로 이동한 1920년대 이후에도 파리에서 연극 Le Cœur à gaz, by Tristan Tzara(1923)과 Marcel L'Herbier 작품의 영화Vertige(1926)등 다양한 의상과 세트를 디자인했습니다.
왼쪽부터: 1918년 발레 뤼스의 클레오파트르 제작을 위한 클레오파트라 의상 디자인, 1918년, 종이에 수채화, 금속 페인트, 흑연, 18.5 × 12.5cm, 메트로폴리탄 미술관
1918년 Ballets Russes의 클레오파트라 역을 맡은 Lubov Tchernicheva, ca. 1918.
마드리드의 Petit Casino 내부, 1919, Casino 카탈로그
패션, 새로운 아트의 시작
그녀의 혁신적인 탐구는 1911년 아들 샤를레스(Charles)를 위해 손으로 직접 꿰매었던 요람 담요를 만들면서 시작되었습니다. 이를 시작으로 섬유, 패션, 세트 디자인 분야로 작업 영역을 점점 확장했습니다. 그녀가 남편의 재단사에게서 회수한 다양한 소재와 색상의 천 조각으로 만든 옷은 1910년대 들로네 주변의 예술가와 지식인 집단을 열광시켰다고 합니다. 1913년부터 그녀는 색상과 움직임에 따라 리듬과 모양이 결정되는 동시드레스( Simultaneous Dresses)를 만들었습니다. 비비드한 색상과 금색을 이용한 강조한 그녀의 섬유들은 당시 미술사조인 아르데코 미학을 아름답게 보여줍니다. 그녀의 디자인은 기본적인 기하학적 형태로 신체위에 모든 종류의 색채 범위를 투영하여 색상의 유희를 탐구합니다. 눈에 보이는 세계는 원, 삼각형, 직사각형 등으로 나뉩니다. 색상과 톤의 역동적인 조합으로 장식되었습니다.
왼쪽부터: 글로리아 스완슨(Gloria Swanson)을 위한 소니아 들로네의 코트, '동시 드레스' 일러스트, 동시드레스사진 (Three women, Forms, Colours) 1925, 칸딘스키도서관 제공. 파리
1915년 1차세계대전당시 들로네 일가는 포르투갈로 피신한 뒤 스페인으로 피신했습니다. 1918년 그녀는 재정적인 이유로 마드리드에 패션잡화 및 실내장식 전문점 카사 소니아(Casa Sonia)를 열었고, 같은해 같은 도시의 Majestic Hall에서 그녀의 작품을 선보이는 패션쇼가 개최됩니다. 이후 1920년대부터 소냐 들로네는 자신의 원동력이 되는 그림과 함께 의상 연구에 온 힘을 쏟았다. 그녀는 남편과 함께 1920년에 다시 파리로 돌아왔습니다. 그녀는 더 많은 패션 사업에서 기회를 찾기 위해 1920년 8월에 Paul Poiret 에게 자신의 사업을 확장하고 그의 디자인 중 일부를 포함시키고 싶다는 편지를 쓰기도 했습니다. 얼마 지나지 않아 1923년에는 리옹 의 한 제조업체의 의뢰로 기하학적 모양과 대담한 색상을 사용하여 50개의 직물 디자인을 만들었습니다. 다음해에는 Jacques Heim 과 함께 패션 스튜디오를 열었습니다. 그녀는 파리 부티크7을 오픈한 이후 원단, 의류, 스카프 등 생산은 물론 인테리어 디자인 프로젝트 구현에도 전념해 왔습니다. 1931년 상점이 문을 닫을 때까지 그녀의 새로운 창작품에는 사진이 함께했습니다. 후자는 사진을 대형 앨범에 보관하여 각 의류 품목에 대한 목록을 작성합니다. 1977년에는 자신의 기록 보관소와 사진 컬렉션 대부분을 프랑스 국립 도서관에 기증했습니다. 이 세트 중 1913년에서 1935년 사이에 촬영된 약 200장의 패션 사진은 특정 패션 분야에서 그녀의 연구를 보여줍니다. 20년 이상 동안 그녀는 패션 사진을 상업적 목적과 예술적 목적 모두에 사용하여 동시성을 장려하였습니다. 전문 사진작가, 예술가, 아마추어 또는 친구들이 찍은 이 사진들은 패션 사진이 그 자체로 예술임을 인정받기 위해 움직이던 초기 시기의 작업들입니다. 이 사진들은 약 30명의 다양한 사진작가가 소니아의 옷을 촬영하였는데, 각기 다른 스타일의 사진작가의 작업이 그녀의 작품 이미지를 잘 나태내는 하나의 스타일로 나타납니다.
왼쪽부터:소니아와 두 친구, 로버트 들로네의 스튜디오(rue des Grands-Augustins, 1924년 파리), 프랑스 국립 도서관(파리) 제공
소니아 들로네가가 디자인한 모피 코트를 입은 두 모델, 언론인 Kaplan 소유의 자동차(소니아의 직물 중 하나를 본떠 색칠됨), 장식 예술 국제 박람회(1925년 파리), 프랑스 국립 도서관(파리) 제공
결국 소니아는 소르본느 에서 회화가 패션에 미치는 영향에 대해 강의했습니다 .
"기하학적 형태가 있다면, 이는 이러한 단순하고 관리하기 쉬운 요소가 우리 탐구의 실제 대상을 구성하는 색상의 분포에 적합해 보였기 때문입니다. 그러나 이러한 기하학적 형태는 우리 예술의 특징이 아닙니다. 색상의 분포는 영향을 받을 수 있습니다. 꽃 등과 같은 복잡한 형태의 경우에도... 이것들을 다루는 것이 좀 더 섬세할 것입니다."
“현재 패션은 혁명의 시대에 해당하는 중요한 단계를 통과하고 있다. 제1차 세계대전이 일어나기 얼마 전부터 그들은 학문적 양재에서 벗어나기 시작했습니다. 코르셋, 하이 칼라, 패션의 미학이 요구하지만 위생과 자유로운 움직임에 반하는 여성복의 모든 요소를 제거했습니다.”
— Sonia Delaunay, 소르본느에서 연설, 1927년
그녀는 1968년 5월 Jacques Damase에게 보낸 편지에서 "모든 내 작품은 여성을 위해 만들어졌고 모두 신체와 관련하여 구성되었습니다." Delaunay의 의류 디자인에서 특히 중요한 요소로 보이는 것은 그녀가 만든 작품이 여성의 형태에 반대됩니다. 그러나 1978년 인터뷰를 통해 자신이 페미니스트라고 생각하는지 었을 때 그녀는 “아니요. 저는 그 말을 경멸합니다. 나는 의식적으로 자신을 여자라고 생각해 본 적이 없습니다. 나는 그저 예술가일 뿐이다.”라고 대답하였다.
그녀가 의미를 하지 않았더라도 그녀는 여성들에게 해방을 위한 가능한 도구를 제공할 수 있었습니다. 즉, 그녀의 옷의 기술적 구성은 Delaunay가 여성의 실제 요구 사항이라고 부르는 것에 맞게 설계되었습니다. 그것은 사람들이 일하고, 춤추고, 스포츠를 즐길 수 있게 해주었습니다. 실제로 그녀의 강연의 다음해인 1928년에는 영국의 모든 여성에게 참정권이 확대되었습니다. 그녀는 세계에서 여성의 역할이 바뀌는 것을 목격하며 인생이 끝날 때까지 회화, 광학, 장식 미술, 도시 계획, 건축 및 응용 예술에 대한 자신의 매력을 결합한 작품에 관심을 두었고, 이 모든 작품은 예술과 삶의 경계를 허무는 방법을 훌륭하게 보여줍니다.
1] Sonia Delaunay. Art Into Fashion, New York, 1986.
2] Sonia Delaunay: Art Into Fashion, Editions George Braziller, , 1987.
3] Sonia Delaunay. Mode et tissus imprimés, Jacques Damase (éd.), Paris, 1991.
4] Colour Moves: Art and Fashion From Sonia Delaunay, Editions Thames & Hudson, , 2011.
5] Cécile Godefroy, La photographie au service du simultanisme -L’utilisation de l’image de mode par Sonia Delaunay-, L'« âge d'or » revisité/Alentours de Bayard, novembre 2002, p. 148-159